Karin Herrmann arbeitete nach dem Abitur an Dresdner Theaterbühnen als Regie- und Dramaturgieassistentin, Souffleuse und Spielerin. Zudem war sie von 2007 bis 2009 Schauspielelevin der Künstlergruppe DRAMATEN. Nach erfolgreichem Studienabbruch der Theater-, Medien- und Kommunikationswissenschaften in Leipzig wurde sie 2010 Mitglied der Cie. Freaks und Fremde. Von 2013 bis 2017 studierte Karin Herrmann Zeitgenössische Puppenspielkunst an der Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch Berlin«. Sie war als Puppen- und Schauspielerin u.a. am Puppentheater Halle, der Schaubude Berlin, am Staatstheater Augsburg, am Societaetstheater Dresden und auf diversen Figurenfestivals zu sehen. Von 2017 bis 2021 absolvierte Karin Herrmann ihr Masterstudium der Musik- und Theaterregie an der Theaterakademie August Everding München (Leitung: Sebastian Baumgarten). Innerhalb des Regiestudiums inszenierte sie »HUH UH RAPPEL - Ein Gemütszustand am Rande« am Akademietheater München, »Der Krieg mit den Molchen« (Karel Čapek) in der Reaktorhalle München, »Antigone« (Jean Anouilh) sowie »Nichts. Was im Leben wichtig ist« (Janne Teller) am Theater Koblenz und drehte mit der Band The Lone Dining Society das Musikvideo zu »Brothers' Grimm«. Zudem nahm sie an der Masterclass SPIELART RESPONSES in München und an »Programa Dirección Escénica« des Goethe-Instituts Chile und der Stiftung Fundación Teatro a Mil teil. In Dresden wird im Rahmen von SOCIE ON TOUR die Inszenierung »frau verschwindet (versionen)« von Julia Haenni in der Regie von Karin Herrmann zu sehen sein.

»Die zwei Monate der Forschungsresidenz werde ich nutzen, um mich ausführlich mit dem literarischen Werk und der künstlerischen Welt des Schriftstellers Andrej Platonow (*1899 - †1951) auseinanderzusetzen und Geschichten und Szenen für die Theaterbühne herauszuarbeiten. Dabei werde ich besonderes Augenmerk auf die Novelle »Dshan und auf einige Aufsätze Platonows legen, welche den Schriftsteller auch als ökologischen (Vor-) Denker zeigen.«

Yamile A. Navarro L., wurde in Mexiko-Stadt geboren. Sie begann ihre professionelle Tanzausbildung in Mexiko. Jahre später zog sie nach Spanien und setzte ihre Tanzausbildung in Barcelona fort, wo sie ihren Abschluss als Klassische Tänzerin am “Institut del Teatre” machte. Im Jahr 2009 zog sie nach Dresden. Im Juli 2012 beendete sie ihr Studium zur Bühnentänzerin an der Palucca Hochschule für Tanz in Dresden. Derzeit lebt sie in Dresden und arbeitet als freischaffende Tänzerin und Choreografin. Sie arbeitet in verschiedenen künstlerische Projekten mit verschiedenen Kompanien und Künstlern aus der ganzen Welt zusammen. Zeitgleich produziert sie ihre eigenen Projekte als Choreografin, inspiriert durch Sci-Fi, Bücher, Mode und alte Zivilisationen, sie kombiniert verschiedene Tanzstile und Künste, um ihre Arbeit zu vervollständigen. Wobei Tanz und Bewegung die Hauptquelle des Ausdrucks bleiben.

»Während meiner zweimonatigen #TakeHeart Residency am Societaetstheater Dresden konzentrierte ich mich vor allem darauf, verschiedene Wege zu finden, wie ich durch den Einsatz meiner eigenen Stimme Bewegung erzeugen kann. Eine umfassende Dokumentation meiner Recherchen ist ebenfalls ein wichtiger Teil meiner Residenz, denn ich möchte eine solide Grundlage für meine zukünftigen künstlerischen Projekte schaffen.«

www.yamanalu.com

Sabine Köhler (Berlin) studierte Puppenspielkunst an der HfS ‚Ernst Busch‘. Sie gehört zum Team der Cie. Freaks und Fremde und arbeitet als freie Darstellerin, Performerin und Puppenbauerin im Bereich des Objekt- und Puppentheaters und in Kollaboration mit Künstlern anderer Genres.

Über ihre Residenz: »Ich möchte mich konzeptionell mit dem Phänomen des unsichtbaren Darstellers auseinandersetzen, die Beschäftigung mit Vorstellung und Verrücktheiten unserer Wahrnehmung ist Teil dieser Recherche: … wir sehen … was wir sehen wollen … wir sehen selbst … wenn wir nichts sehen …
In diesem Sinne möchte ich, basierend auf dem Roman ‚Geek Love’ von Katherine Dunn, performative Mittel untersuchen, die der Vorstellungswelt der literarischen Vorlage und der des Zuschauers größtmöglichen Freiraum lassen. Ausgangsmaterial wird eine von mir eingesprochene Audio-Version des Textes sein.«

www.freaksundfremde.com

1981–90 Tanzausbildung an der Palucca Schule Dresden, 1990–97 Engagement im Ballett der Sächsischen Staatsoper Dresden. Seit 1997 freiberuflich tätig, u.a. zahlreiche Soloabende, Choreografien für Inszenierungen im Musik- und Sprechtheater wie für Schülertanzprojekte. Lehrauftrag an der Hochschule für Musik Dresden. Mit dem Dore Hoyer gewidmeten Tanzabend »Tänze in SCHWARZWEISS« wurde Katja Erfurth für den Sächsischen Tanzpreis 2015 nominiert. Sie ist außerdem in verschiedenen Fach- und Kulturbeiräten sowie Jurys tätig. Katja Erfurth erhielt 2020 den Kunstpreis der Landeshauptstadt Dresden.

Die Tänzerin und Choreographin Katja Erfurth untersuchte während ihrer Residenz öffentliche Orte der Dresdner Neustadt auf ihre Stadtgeschichte. Sie forschte nach nicht mehr existenten Bauwerken, begrabenen Begegnungsorten und umgestalteten Straßen und Plätzen. Vor allem der Bombenangriff am 13. Februar 1945 zerstörte unwiederbringlich zahlreiche Orte des gewachsenen Stadtleben Dresdens. Die Residenzrecherche schaffte die Grundlage für ein künftiges fundiertes Erarbeiten der choreographisch-tänzerischen Episoden, die Tanz und Musik in verschiedene Kontexte stellen und das Vergangene mit dem Gegenwärtigen verbinden.

www.katja-erfurth.de

Geboren in Tadschikistan, aber in Russland aufgewachsen. Mit 16 begann Makhina sich für perfomatives Theater zu interessieren und arbeite mit unterschiedlichen Theatern in den Bereichen Performancekunst, Pantomime oder Butoh, einer japanischen Form des Tanztheaters.
Nach einigen Erfahrungen mit verschiedenen Theatergruppen, arbeitete sie acht Jahre für die russisch-deutsche Performance-Instanz »DEREVO« als Performerin, Technikerin, Schauspielerin oder auch Tänzerin in diversen Hauptrollen. 2018 begann sie ihr Master-Studium an der schweizer Dimitri-Akademie im Bereich körperliches Theater und befasste sich ebenfalls zunehmend mit der Kunstform des Puppenspiels. 2020 belegte sie mit ihrer Partnerin Zarina Tadjibaeva und ihrer Performance »Metamorphose« den dritten Platz im größten Nachwuchs-Wettbewerb für darstellende Künste in der Schweiz. Zu ihren jüngsten Arbeiten zählt auch ihre beeindruckende Flashmob-Inszenierung »My Voice Is My Body«, welche sich mit dem Thema der sexualisierten Gewalt auseinandersetzt.

In ihrer zweimonatigen Residenz an unserem Haus, untersuchte Makhina das Thema Identität und Migration. Was macht die Migration mit der eigenen Identität und welchen Einfluss haben politische Umstände des jeweiligen Aufenthaltsortes? Welche Masken legen sich Menschen von Ort zu Ort auf um sich anzupassen? Dazu reiste sie während der Corona-Pandemie in ihre Heimat Tadjikistan und analysierte und verglich die »Masken« der lokalen Einwohner mit ihrer eigenen und derer in ihrem europäischen Zuhause.

www.makhinadzhuraeva.com

Lilith Maxion wurde 1992 in Aachen geboren. Auf das Abitur (2012) folgte eine Schauspielausbildung am »Institut für Schauspiel, Drama und Film« in Hamburg. Dann ging es weiter mit einer einjährigen Kurzausbildung im »Atelier für physisches Theater« in Berlin, welches sich auf Maskentheater, Pantomime und Clownerie spezialisiert hat. In Berlin wurde sie auf den Studiengang »Zeitgenössische Puppenspielkunst« an der HfS Ernst Busch aufmerksam welchen sie im Sommersemester 2021 mit einem Diplom abschloß. Seit 2018 spielte sie u.a. an unserer Bühne, dem Lollapalooza Festival, der Schaubude Berlin, am Theater St. Gallen oder beim Hörspielsommer Leipzig.

Lilith sammelte in ihrer Residenzzeit Geräusche, filmische Aufnahmen und Gerüche um diese in einer »forget-everything-else-experience« in Form einer »Traumreisebox« zu installieren. Herausgekommen ist eine erste Konzeption eines Projektes in dem man sich gänzlich von Stress, Alltag und der Welt erholen kann. Eskapismus als Perpetuum.

www.lilith-maxion.de

Anett Bauer lebt und arbeitet als freie Künstlerin in Dresden unter dem Künstlernamen MUAH. Von der figürlichen Malerei kommend, sind Material-Experimente prägend für ihr Werk, welches häufig ein ironisches Zusammenspiel aus geometrischen Figuren und figürlichen Comic-Elementen zeigt. Die Bühne als der Ort, an dem sich Darstellende und Bildende Künste begegnen und eng miteinander agieren bzw. sich gegenseitig bedürfen und begünstigen steht im Mittelpunkt des Interesses sowie die Gestaltung von Bühnen und Kostümen für Musikproduktionen, live und für Videoformate. Als Gründungsmitglied war sie an der Entstehung mehrerer Galerie- und Kunstvereine, z.B. dem Treibhaus Katharinenstraße e.V. beteiligt und betreut und realisierte als Konzeptionistin, Kuratorin und Produzentin Projekte verschiedenster Art für Theater und freie Produktionen. Die Künstlerin ist 1986 in Dresden geboren und war bis 2013 Studentin und Meisterschülerin bei Professor Hans-Peter Adamski sowie Professor Wolfram Adalbert Scheffler an der HfBK Dresden.

Anett Bauer erforschte, wie verschiedene Künstler:innen in der Vergangenheit sowie in der Gegenwart Kunst und Bühne bzw. Kunst und Theater miteinander verbunden haben und verbinden. Auf welche Weise wird der eigene künstlerische Ansatz und die persönliche Ästhetik bei der Entwicklung eines Theaterstückes eingebracht und angewandt? An Beispielen wie Picasso, Oskar Kokoschka oder Alfred Roller in der Historie und den hiesigen Bühnenbildner:innen in der Gegenwart entstand ein spannendes Bild der Praxis der Kunst.

www.muahstuff.de

Beate Gbureck, Jahrgang 1977, ist in und um Dresden seit vielen Jahren im Bereich Licht-Design, Video-Mapping und Design ebenso wie im Bereich Bühnenbild in Dresden eine viel-gefragte Künstlerin. Sie hat an einer Vielzahl von Produktionen mitgewirkt und in hohem Maße das Theaterlichtdesign, sowie Video- und Kunstinstallationen mitgestaltet. Sie arbeitete bereits vielfach am Festspielhaus Hellerau, war einige Jahre oberste Lichtdesignerin am Societaetstheater und auch bei einigen Filmproduktionen dabei.

Mit Hilfe technischer Mittel wie Projektor und Mappingprogramm, erforschte Beate Gburek das Werk von George Cup und Steve Elliot. Sie untersuchte das Werk anhand der fünf Kurzfilme »The Connection between Form and Sounds«, part #5, #12, #15, #17, #21 und erkundete dabei das Spiel von Licht und Schatten in Bezug auf die Dimensionsverschiebungen und den Ebenentransfer der unterschiedlichen filmischen Universen. Auch ihre Mapping-Fähigkeiten brachten im Bezug auf die Kurzfilme neue Interpretationen des Verständnisses von Bildkomposition und die Entstellung und Bearbeitung derselben.

Thomas Dannemann wurde in Bad Saarow geboren. Er hat von 1990 bis 1994 an der Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch« studiert und an vielen Theatern im deutschsprachigen Raum gespielt, unter anderem am Burgtheater Wien, am Deutschen Theater Berlin, der Schaubühne Berlin und dem Düsseldorfer und Hamburger Schauspielhaus. Ab 1999 begannen in Dresden seine ersten Regiearbeiten, die sich fortsetzten an Theatern in Bochum, Düsseldorf, Köln, München, Leipzig, Göttingen, Hannover, Frankfurt am Main und vielen mehr.

»Mein Forschungsgegenstand war, inwieweit der Kampf gegen überkommene Meta-Narrative (z.B.heteronormative und pratriarchale Gesellschafts-Erzählungen) einhergeht mit dem Wandel der Gesellschaft in eine Wissensökonomie und Wissensgesellschaft (Daniel Bell). Ich komme zu der Annahme, dass der Kampf sich immer mehr diversifizierender sozialer Bewegungen um soziale und politischer Teilhabe auch zur Bildung einer neuen Elite führt, die über die notwendigen kognitiven Fähigkeiten verfügt, in einer sich transformierenden Gesellschaft, in der Wissen zum entscheidenden Produktionsfaktor und zur zentralen Ressource geworden ist, zu bestehen.«

Rike Schuberty, Studium an der Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch« Berlin. War Musikerin in der Band »Contriva«. Seit ihrem Abschluss arbeitete sie hauptsächlich freischaffend an Theatern und Opernhäusern wie dem Schauspiel Frankfurt a.M., Grand Theâtre des Gènéve, Staatsoper München oder dem Thalia Theater Halle. Sie erhielt 2009 u.a. den Jury- und Publikumspreis der Heidelberger Theatertage für ihr Stück “Paul und Paula – eine Legende”.

Wie kann durch Musik performatives Material gefunden werden, Belebung durch Klänge, welche Instrumente eignen sich? Diesem Thema widmete sich Rike Schuberty im Rahmen der Gruppenarbeit »Künstliche Körper«. Sie fokussierte sich auf zwei musikalische Schwerpunkte: Barockmusik und Störgeräusche. Zwei, auf den ersten Blick, diametral voneinander entfernte musikalische Extreme. Aber stimmt das? Gibt es da nicht Parallelen?

www.rike-schuberty.de

Momo Ekissi wurde unter dem Namen Ekissi Eugène Moumon in der kleinen Stadt Tiassalé, rund 100 Kilometer der ivorischen Metropole Abidjan geboren. Heute lebt und arbeitet er in Freiburg. Er ist Regisseur, Schauspieler und Erzähler.

»Momo - unter diesem Namen kennen mich die meisten - Sowohl die Erwachsenen, als auch die Kinder, mit denen ich sehr gerne arbeite. Das Theater ist meine Leidenschaft aus der glücklicherweise mein Beruf geworden ist. Nach dem Studium (Jura und Theaterwissenschaft) habe ich mich ausschließlich der Kunst zugewandt, die Menschen zu den Menschen führt und unsere Unterschiede als gemeinsamen Reichtum erkennt. Aufgrund meiner Erfahrungen, meiner Reisen und meiner Begegnungen bin ich zu einen Kulturvermittler geworden, einem Brückenbauer, einem Bindestrich. Das Beste, was mir in diesem Sinne passieren konnte, ist diese Künstlerische Residenz mit dem Projekt #takecare. Sie gibt mir die Möglichkeit, meine Herzensangelegenheit, die ich »Liebesgesänge« nenne, zu verwirklichen.«

Yamile Anaid Navarro Luna (Mexico City) studierte Tanz in Mexico, Barcelona und Dresden. Sie arbeitet als freie Tänzerin, Performerin und Choreographin eigener Produktionen und in Kooperation mit verschiedenen Künstlern und Companies.
Daniel Williams (Schottland) studierte Literatur und Musik in Oxford und Edinburgh. Als freier Komponist ist er vor allem im Bereich Tanztheater und Theater tätig und veröffentlicht eigene Alben auf phonecake.org.
Sabine Köhler (Berlin) studierte Puppenspielkunst in Berlin. Sie gehört zum Team der Cie. Freaks und Fremde und arbeitet als freie Darstellerin, Performerin und Puppenbauerin im Bereich des Objekt- und Puppentheaters und in Kollaboration mit Künstlern anderer Genres.

Drei KünstlerInnen, drei Menschen - experimentieren mit der Dunkelheit und tauschen uns aus: Über Theater und Albträume; über Bewegung, Denken und die Illusion; über Gott und die Welt, Manns- und Weibsbilder; über begrenzte Möglichkeiten und schwarze Löcher des Universums. OURDARKNESS ist eine Untersuchung zur Verständigung und Verbindung unserer Genres in Beziehungen mit fließenden Grenzen: Authentizität - Inszenierung; Theater - Performance; Tanz - Bewegung; Musik - Sound - Stimme; Objekt - Subjekt; Zuschauer - Performer; Ich - Du - Dunkelheit. Wir wollen uns mit uns beschäftigen, mit der Weiterführung unserer Begegnung im Leben und auf der Bühne; auf der Suche nach authentischem Dialog, nach dem Theater, das zwischen uns entstehen kann, wenn es (noch) keine genaue Vorstellung einer Vorstellung gibt. OURDARKNESS ist eine Frage der Zeit, eine Recherche mit ungewissem Ausgang.

»Die Nacht zwingt uns auf uns selbst zurück, denn die fassbare Welt wird unsichtbar. Wenn der visuelle Cortex, der analytische, alles Sichtbare verarbeitende Teil des Gehirns ausgeschaltet ist, verwischen Traum und Wirklichkeit. Gedanken strömen frei, unvernünftig, kreativ. Wir verhalten uns riskant, werden zutraulich oder betrügen. Dunkelheit enthemmt. Mentale Grenzen werden durchlässig. Im Innern geht der Vorhang auf. Unendlicher Raum, Bühne körperloser Schatten, Zeit des Kopftheaters.«

Tanja Mette-Zimmermann studierte Dramaturgie in Leipzig und Neue Medien in Dresden. Als freie Dramaturgin, Autorin und Kuratorin ist sie mit vielen Künstlern unterschiedlicher Genres tätig.

»Was ich mag: In Untiefen von Widersprüchen in der Historie hinabsteigen. Eintauchen. Und: auch wiederauftauchen. Was ich nicht mag: Wenn die Zeit dazu fehlt. Meine Residenz möchte ich nutzen, eine bereits langjährige Recherche und Auseinandersetzung mit dem 13. Februar 1945 in Dresden fortzuführen. Das Datum löst in Dresden seit Jahren gemischte Gefühle aus. Die Bombennacht von 1945 tritt dabei häufig in den Hintergrund der Auseinandersetzungen. Ein Ringen um die Deutungshoheit des geschichtlichen Ereignisses bestimmt die Debatten und das Agieren im öffentlichen Raum. Dabei gehen die Versuche, die persönlichen Erfahrungen und das Erleben des Einzelnen zu beleuchten, oft unter. »13. Februar 1945 OFFENE WUNDE Tiefenschürfung vs. Schärfentiefe« möchte Einzelschicksale in den Vordergrund der künstlerischen Auseinandersetzung stellen. Es ist eine individuell verhaftete Tiefenschürfung, eine Verortung individueller Schicksale. Konkret, unmissverständlich und berührend.«

Felicia Daniel ist freischaffende Regisseurin. In ihren Konzepten verbindet sie die Bildenden und Darstellenden Künste miteinander. Zudem arbeitet sie mit gehörlosen Schauspieler:innen zusammen und sucht mit ihnen nach Wegen, Theater für hörende und gehörlose Zuschauende zu inszenieren. 

Dem »Üblichen« entkommen: Ich frage mich, ob es nicht gesünder sein könnte, sich von dem Anspruch der »Normalität« und des »üblichen Verhaltens« zu lösen. Geht es mir gut damit, normal zu sein? Die Figuren in Wolfgang Herrndorfs Roman »Bilder deiner großen Liebe« lassen sich in ihrem Verhalten und Sein weder als normal noch als üblich beschreiben. Trotzdem haben sie scheinbar Bewältigungsmechanismen für ihr Leben gefunden, die sie so viel gesünder erscheinen lassen, als ich mich in meiner Schablone des Üblichen fühle. Wie kann ich neu und anders denken lernen? Gedanken verfertigen sich über Sprache. Wenn ich die Logik meiner Sprache anderen Kriterien unterwerfe, kann ich mich vielleicht von der Enge des Üblichen befreien und muss »normal« nicht länger als ein- und ausgrenzendes Element mit mir herumtragen. Um jeden Satz des Romans anders und neu zu denken, möchte ich die Residenz nutzen, um eine gebärdensprachliche Fassung des Textes zu erstellen. Ich möchte versuchen, den Text in Bildern und Gebärden zu denken und freue mich darauf, dafür Hilfe und Beratung von gebärdensprachlichen Expert:innen zu bekommen. 

Thomas Dannemann wurde in Bad Saarow geboren. Er hat von 1990 bis 1994 an der Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch« studiert und an vielen Theatern im deutschsprachigen Raum gespielt, unter anderem am Burgtheater Wien, am Deutschen Theater Berlin, der Schaubühne Berlin und dem Düsseldorfer und Hamburger Schauspielhaus. Ab 1999 begannen in Dresden seine ersten Regiearbeiten, die sich fortsetzten an Theatern in Bochum, Düsseldorf, Köln, München, Leipzig, Göttingen, Hannover, Frankfurt am Main und vielen mehr.

»Meine Residenz ist ein Recherche- und Schreibprojekt. Die Prämisse lautet: »Der Mensch ist ein Tier, dem man die Lage erklären muss«. Es ist ein Projekt über das verunsicherte, in Not geratene, nicht nur in die Welt, sondern auch auf sich selbst geworfene und sich daran erschöpfende Selbst, das Welten durchquert, auf der Suche nach einer Selbsterzählung, die auf Resonanz durch andere stößt, seiner Kapazität angemessen ist, ihm plausibel vorkommt und es sinnstiftend zu erlösen scheint. Ich recherchiere über sein Bedürfnis, sich in einer Gruppe einfinden zu können, durch eine Erzählung einen Platz zugewiesen zu bekommen, diese Erzählung zu übernehmen und weiterzuerzählen. Es konkurrieren unterschiedliche Erzählungen von gesellschaftlichen Gruppen und konkurrierenden Machtverbänden, die versuchen, ihre Erzählung zur dominierenden zu machen und damit ihren Einfluss zu vergrößern, um ihre Interessen durchzusetzen. Darüber, dass Erzählungen nicht aus sich heraus existieren, sondern wir ihre Relevanz und ihren Wahrheitsgehalt aushandeln müssen, um ein soziales Miteinander möglich zu machen, weil wir ohne Sinnstiftung nicht auskommen. Bis hin zu der Frage, welchen, über den Menschen hinausgehenden, strukturellen Zusammenhang es zwischen der technischen Weiterentwicklung, u. a. auch in den sozialen Medien und dem eventuell irreversiblen Erodieren von Konsenserzählungen in unseren heutigen Gesellschaften gibt.«